A la fin des années 50, un vieil illusionniste tente de continuer son métier malgré les débuts tonitruants du rock’n’roll. Peu à peu, il se fait une raison, le music-hall disparaît. Alors, de Paris à Londres, il se retrouve bientôt au fin fond de l’Écosse. Dans un pub, il rencontre Alice, une jeune femme innocente en quête de liberté. Le début d’une nouvelle vie.

Pour son deuxième long métrage d’animation, Sylvain Chomet, ancien scénariste de Nicolas de Crécy notamment sur Léon la Came, adapte un scénario inédit de Jacques Tati. Scénario hautement polémique qui serait un exutoire à un épisode familial assez sombre de la vie du grand cinéaste. Je laisserai le débat aux spécialistes du réalisateur.

Pour ma part, il ne m’a fallu que quelques instants pour être pris dans cette histoire. Un grand bonhomme – Jacques Tati lui-même – nostalgique d’un paradis perdu, seul, quasi-mutique. On pourrait parler de misère et pourtant, l’atmosphère n’apparaît jamais pesante. Les décors sont beaux, changeant, tout comme la lumière qui varie tout au long du film. Ce film bénéficie effectivement d’une lumière très réussie. Entre celles du music-hall et de l’environnement écossais, il y a de la place pour un panel très large qui modifie complètement les sensations et les émotions exprimées.

Ce film est d’une rare tranquillité comparé aux grosses productions actuelles. Tout est calme pour le spectateur et pour le personnage-titre jusqu’au moment où cette jeune fille que personne ne comprend pas arrive dans la vie du vieux bonhomme. Elle est jeune et insouciante, un peu jolie. Un contact tout à fait particulier se créé entre ces deux personnages solitaires. Amour ou relation paternelle ? C’est là que la vie rejoint la fiction et que la polémique prend son envol. Je ne m’y attarderais pas plus. Côté film, je dirais que tout ceci est une affaire de destin. On aime à croire à cette histoire. Le réveil d’un vieil homme, l’épanouissement d’une jeune femme. Il y a beaucoup d’humanité et de tendresse, on reconnaît ici la marque de Jacques Tati.

Côté dessin, le studio de Sylvain Chomet s’affranchit un peu plus de l’influence de son ancien compère Nicolas de Crécy qui avait fortement marqué ses productions précédentes (Les Triplettes de Belleville mais aussi le court métrage La Vielle dame et les pigeons) en proposant une 2D très sobre. Entre nous, on fait pire que Nicolas de Crécy comme influence. Bref, j’ai apprécié ce côté un peu désuet et la grande qualité de la colorisation. Si pour les Triplettes, le graphisme foisonnant collait parfaitement à l’univers déjanté et baroque du récit, cette forme aurait dénaturé profondément le charme réaliste de ce scénario.

Pour conclure, L’Illusioniste porte le sceau du grand Jacques Tati dans ses parties les plus claires comme les plus sombres. Je n’ai pas lu le texte original, il me semble donc compliqué de juger l’adaptation. En revanche, le film d’animation en lui-même est d’une rare qualité qui saura vous emporter dans un tourbillon tranquille d’émotions et de sensations. Une fable, un épisode de vie, un passage de témoin. C’est quand même beau le cinéma.

La bande-annonce

L’Illusioniste
un film de Sylvain Chomet
(France-Ecosse, 2010, 1h20)

Il était une fois un tableau représentant une forêt et un château. Ce tableau était peuplé d’êtres de peinture : les Toupins, entièrement peint, les Pafinis auxquels ils manquaient des couleurs et enfin les Reufs qui étaient encore des esquisses. Les Toupins se sentant supérieurs méprisaient et maltraitaient les autres. Mais dans l’ombre, un toupin et une pafini tombèrent amoureux. Par un heureux hasard, un petit groupe parti à la rechercher le peintre pour qu’il termine son tableau et gomme ainsi les différences.

Après la grosse machine américaine et le savoir-faire japonais, nous continuons cet été consacré au cinéma d’animation avec une production signée Jean-François Laguionie. Dans le monde de l’animation, la production française est toujours un cas un peu à part. Produisant moins que les deux grands centres mondiaux que sont les Etats-Unis et le Japon, la France cultive une certaine exception dans la forme et le fond. Entre Michel Ocelot (Kirikou) ou Sylvain Chomet (Les Triplettes de Belleville) qui sont les portes drapeaux du genre, on saisit rapidement la différence d’approche. Jouant sur l’atmosphère, sur des techniques d’animation très différentes, voire désuètes parfois, sur des scénarios parfaitement écrits, l’animation française s’appuie également sur une grande tradition et sur une formation sûre. Reste des moyens beaucoup moins important d’où une production moins régulière. Du coup, dans les vagues américaines, le spectateur passe parfois à côté de très bons films. Et si Le Tableau a eu son petit succès d’estime, ce fut moins le cas côté spectateur. Heureusement, nous sommes là pour remettre un petit coup.

Car voir ce film, c’est se plonger dans un univers parallèle durant un petit plus d’1h. Comme toute bonne fable, nous échappons aux cadres strictes de la logique et de la science (des personnages de peintures qui traversent des tableaux) tout en restant ancré dans des thématiques de notre société humaine. En effet, nos héros font face à des réalités particulièrement parlantes et qui sont aussi les moteurs des grandes histoires : racisme, domination, révolte, guerres absurdes, amours contrariés, quête de soi, inspiration et bien sûr arts. Tout cela contenu dans un monde qui rappelle constamment les tableaux des grands peintres de la fin du XIXe et du début du XXe siècle. On pense notamment à Modigliani dont le peintre héros de cette histoire s’inspire profondément.

Techniquement, si le réalisateur a fait le choix du numérique, il s’applique à reproduire un décor en 2 dimensions. Il coupe les perspectives et appuie sur les traits comme il s’agissait d’un pinceau. Ainsi, contrairement à la plupart des films d’animations grands publics (on peut aussi parler de cette approche en BD), nous n’avons pas les couleurs et les textures parfaites. S’ajoute à cela quelques passages en prise de vue réelle dans l’atelier du peintre où les personnages évoluent. Là encore, le réalisateur créé un monde à part, différent du reste du film, un environnement mystérieux et surprenant alors qu’il s’agit d’une simple maisonnette.

Comme je l’expliquais plus haut, il faut prendre cette histoire comme un conte avec ses défauts et ses qualités. Certains pourraient critiquer l’aspect parfois un peu naïf des personnages. Je ne suis pas d’accord. Chacun à sa propre personnalité et parlera aux grands comme aux petits. Chacun y trouvera un plaisir différent. L’un avec les dessins, l’autre avec l’histoire d’amour, le suivant pour cette quête du créateur et les multiples visages de la création. L’univers est riche, l’animation aussi et l’histoire vous emportera. Une très belle réussite du réalisateur de Gwen et le Livre de sable, Le Château des singes et L’Île de Black Mór.

A découvrir : le site du film

Le Tableau
Réalisateur : Jean-François Laguionie
Scénario : Anik Le Ray
France, 2011, 1h16mn

Dans le japon féodal de l’ère Sengoku, alors que les provinces du royaume se déchirent dans d’incessants conflits militaires, Kotaro, un jeune orphelin est poursuivi par une troupe d’étranges soldats. Accompagné de son chien Tobimaru, il s’enfuit du temple où il a été accueilli puis est sauvé par Nanashi, un ronin solitaire. Le jeune garçon l’engage alors pour le protéger. Le reste est une affaire de destin, de rédemption… et de sabre.

Réalisé en 2007 par Masahiro Ando et produit par les studios Bones auquel nous devons entres autres la série Full Metal Alchemist ou le film Cowboy Bebop, Sword of the stranger s’inscrit dans la grande tradition du chanbara popularisé dans nos contrées par Akira Kurosawa. Le film de sabre est au cinéma asiatique ce que le western représente pour le cinéma américain et occidental, une sorte de mythologie moderne peuplée de héros fort, courageux et bien souvent solitaire.

Sword of the stranger n’échappe pas à cette règle. Nanashi – ce qui signifie sans nom – est bien le ronin solitaire attendu cherchant à cacher son passé. Quant à Kotaro, il remplit son rôle d’orphelin recherché pour d’obscures raisons plus ou moins justifié par la suite. Les rôles sont distribués, méchant compris, et tout se déroule comme prévu. Tout cela est bien classique et ne tire que vers un seul but : un duel final en apothéose entre les deux guerriers. Voie du sabre et code d’honneur, tel est le credo du chanbara.

Si Sword of the stranger est très classique dans sa construction, il nous propose cependant un scénario pour le moins original. Il sait inscrire son sujet dans la complexité politique du Japon de cette période. Dans les provinces, les Seigneurs locaux font la loi et négocient des alliances étranges, notamment avec des puissances étrangères comme la Chine, qui bouleversent l’équilibre et la paix du pays. Quand on connait les rapports géopolitiques entre les deux pays… Mais n’oublions pas non plus le personnage de Raru, super guerrier aux cheveux blonds et aux yeux bleu, chef de la milice, rival désigné de Nanashi, qui ajoute une pincée d’exotisme à cette histoire.

Mais la force de scénario est d’avoir créé un véritable lien entre Nanashi et Kotaro sous le couvert de combats sanglants particulièrement réussis sur le plan de l’animation et de la mise en scène (du grand spectacle !). Parfois, les rapports entre le faible et le fort sont plutôt à sens unique, artificiels. Ici, ce n’est pas vraiment le cas car les deux personnages principaux se complètent et s’animent l’un et l’autre. Deux personnages en détresse qui se trouvent par hasard. D’ailleurs, quand j’expliquais plus haut que le but du film est le duel ultime entre Raru et Nanashi je me trompais. En y réfléchissant, la scène principale se situe quelques minutes avant, lorsque Nanashi se libère de ses fantômes. Une scène d’à peine quelques secondes qui justifie tout le reste du film. Un simple geste, un mouvement émouvant et fort, à la fois quintessence du film de sabre et geste d’amour, de mort, de rédemption. Un sacré vrai moment de cinéma.

Je vais m’arrêter ici sous peine de trop en dire. Prenez juste le temps de voir ce film. Les amateurs du genre apprécieront, les autres pourraient bien être surpris. On en reparlera ensemble

A écoutez : la bande originale

La bande annonce évidemment

Sword Of The Stranger : Bande-Annonce par LeBlogDuCinema

Sword ot the Stranger
Réalisateur : Masahiro Ando
Scénario : Fumihiko Yakahama
Production : Studio Bones, 2007
Japon, 1h42mn

On ne naît pas femme, on le devient… On ne naît pas femme, on le devient… D’accord, Mme de Beauvoir mais est-ce vraiment la vérité ? Pauline Horovitz demande à voir. Pour cela, elle ne va pas traverser le monde, mais se pencher sur sa propre condition et celle de sa famille. Elle interroge donc tantes, nièce, sœur, mère, cousine mais aussi père, oncle et frère car après tout, sont-ils contents d’être ce qu’ils sont ?

Voix, fil & image

Le titre lui-même, faisant référence à une expression très en vogue dans la tradition populaire, est déjà tout un programme. Il est remarquablement choisi car il donne immédiatement l’esprit général voulu par la réalisatrice. S’il aborde un sujet assez explosif en ce moment – la fameuse notion de  genre –  ce film a le bon goût de ne jamais se prendre au sérieux. Ce n’est pas une étude sociologique, ni scientifique, c’est juste une photo cinématographique qui, paradoxalement, est suffisamment drôle, légère et surtout ironique pour attirer notre attention.

Cet humour et cette légèreté tiennent beaucoup à la voix off. Récitée sur un ton très régulier voire monocorde par la réalisatrice, elle bénéficie d’une écriture particulièrement soignée. Par son intermédiaire, Pauline Horovitz tisse un lien entre tous les événements de son film et donne une identité originale au récit. Cette voix et cette image accompagnent les spectateurs durant les interviews, les images d’archives familiales ou les photos personnelles qui défilent sous nos yeux. Elle décrit les expériences, les impressions d’enfance et décryptent pour nous les codes familiaux. A la fois drôle et émouvant, ce petit texte illustre et est illustré par les images. Les deux se répondent et permettent de ménager des effets sympathiques car quand ce n’est pas le montage qui surprend c’est le texte qui fait réagir. Et quand on sait que Pauline Horovitz avait songé à la bande dessinée…

La familia !

Pour faire son film, elle n’a pas hésité à lancer devant la caméra sa propre famille. Elle l’avait déjà fait dans deux films courts (Polanski et mon père, Les toilettes sèches) avec beaucoup de bonheur. Ainsi, elle se lance dans des interviews à tout rompre, avec des questions aussi existentiels que : « Papa, aurais-tu aimé être une femme ? ». Vaste programme qui trouve peu à peu son intérêt dans les pirouettes du récit. Comme tout bon documentariste, Pauline Horovitz trouve son chemin à travers le discours, réussi à nous intéresser à ce qui pourtant nous importerais normalement assez peu : sa famille. Elle nous fait pénétrer dans leur schéma, nous emmène avec eux dans leurs lubies, leurs petites folies sans pour autant avoir l’impression de voyeurisme. A un certain moment, on s’identifierait presque en oubliant vite qu’il s’agit d’un documentaire tant l’histoire nous porte, tant l’histoire progresse, tant elle finit par nous accrocher.

A la fin, on sourit beaucoup et sans s’en rendre compte, on s’interroge aussi. On passe ainsi du personnel à l’universel par la magie d’un film très réussi. Un très bon documentaire à voir d’urgence !

A voir  : un extrait sur le site de Quark Productions
A écouter : l’interview de Pauline Horovitz sur le site de France Culture
A voir (encore) : un court-métrage intitulé Mes Amoureux sur ArteTV

Pleure ma fille, tu pisseras moins
un film de Pauline Horovitz (France)
Durée : 52min
Année : 2011
Production : Quark & Arte France
Prix du public CorsicaDoc 2012